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梵谷 | 铃兰 - 红色的经典作管弦乐，闻所未闻熔化的兰究铃兰心灵

现在，假如能和高更一起生活，竟好我期望他们住在一家属于自己的儿该表演艺术梦工厂里。在那间梦工厂内，不去我只想用非常大的观赏盆景做点缀。

提过吗，赏析在你店面的反腐梵谷梵谷顶楼，有一家用调皮的网络盆景家装过的咖啡店，我总有一天提过那儿借由玻璃窗就可以看见的平台品铃非常大的铃兰。

假如我实现一个梦工厂，经典作因此要绘出点缀的兰究铃兰盆景，我可能将须要八幅甚至更多的经典作品才行。所以当一切都竣工，他们将看见的是此曲红色和红色织成的管弦乐乐。

有鉴于此，我从傍晚到九十九，一直都在组织工作，每件经典作品都须要改在它的油画第一类完全凋零以后完成。

给提奥的信，Arles, c. 21 August 1888，http://www.vggallery.com/letters/645_V-T_526.pdf 梵谷 ：Sunflowers (January 1889 - 1889)

Sara: 你知道，梵高画，美术馆的人老用些，甚么“熔化的心灵”，甚么“美好的寓意”，来含糊买球票的替罪羊们。花2.8亿软妹币买它的山贼可能将是其中最冤的那个。

Kara: 为何不呢？如果没人还继续坚信梵谷的神话故事，投资《铃兰》就比把萱野银行合算。

Sara: o(︶︿︶)o 唉。但我就是不知道这一大堆红色为何比白银还贵。

Kaka: 消费市场的难题交予消费市场。表演艺术的难题交予表演艺术。

Sara: 别老整虚的，你就李亚平畅快地告诉我，咋没人觉得梵高画好，而在我看来它甚至都还没有竣工。

Kaka: 恭敬不如从命。那我想先请教你，你第一眼看梵高画，看见的是甚么？

Sara: 嘁。还让我先给你上课。行吧。别说第一眼，就算第一万眼，也只看见一瓶铃兰啊。

Kara: 谢谢Sara老师指教。您刚才说的“只看见”，这几个字很重要。说明你的注意力从一开始就直接落在了铃兰上，而不是背景、环境光，或者说墙面、桌面等其他的东西上。

Sara: 说…点…我…不…知…道…的~

Kaka: 您别急。其实这里应该打上一个问号？为何其他东西没有分散你的注意力呢？

Sara: 我勒个去！那是因为这里本就甚么都没有，只有一瓶铃兰啊！

Kara: 太正确了！对于您这样见多识广的人来说，一幅画中只有它的主题，其他一切能省则省，这是再正常不过了。甚么墙面的纹理，桌面的肌肤，瓶子的形状，甚至物体的阴影，全都可以不要。

Sara: 甚么？不是因为画家偷懒没把这些东西画上去吗？

Kara: 诚然，梵谷绘铃兰的时候有赶制的嫌疑，但他在阿尔画的铃兰至少有五幅。不可能将每一幅都画不完。更好的解释应该是，他就是不想要其他的东西了，只想要一束，充满空间的一束——铃兰。

Sara: 唔。所以他就不是一个现实主义画家咯。

梵谷：Potato eaters - 1885

Kara: 不是。嗯。是。简单一点说吧，去巴黎以后的梵谷（1886年以后），勉强能算上一个现实主义画家。但离开了巴黎之后（1888年之后），现实主义离他已经十万八千里了，这时候，他骨子里的理想主义只能通过纯粹的颜色才能完成。

Sara: 不是在说铃兰吗？怎么一下跑到颜色上去了。

Kara: 这不重要。他们先来做第一个重要的事情，让他们去看看同时代的画家怎么画静物盆景的吧。

Sara: 这怎么看？别忘了他们是虚拟的人物啊。Kaka: 虚拟的人物才能做虚拟的事。别太在意这些细节。你知道…

Sara: 不。我不知道。

Kara:米勒是梵谷临摹最多的画家…

米勒 : the bouquet of margueritas 1866

Sara: 对对对。这才是完成了经典作品嘛。

Kara: 我理解你的“完成”的意思：把所有在现实中能看见的细节都告诉你。花束在阳光的照耀下熠熠生辉。阴影、纹理、透视、场景，没有一样是米勒没做到的。

但米勒的想法显然闻所未闻这些，不然为何有一个人在花瓶的背后偷瞄观众呢。回忆一下梵谷的铃兰吧。但不急下结论，他们继续看。

Sara: 接下来是谁？

Kara: 他们以前说过的。梵谷热衷于学习色彩理论，特别是从 Charles Blanc 那儿学习，学习Blanc对 Michel Chevreul 色彩理论的研究、对德拉克罗瓦的油画的分析。他们来看德拉克罗瓦的经典作品。

德拉克罗瓦vase of flowers on a console 1849

Sara: 德拉克罗瓦估计会对梵谷说：出去惹事了，别说我是你师父。

Kara: 德拉克罗瓦至少会赞许梵谷的勇气和魄力。体味一下德拉克罗瓦和古典主义的Ambrosius Bosschaert的区别。显然…

Ambrosius Bosschaert 1573-1621 静物盆景

Sara: 对我来说没显然这回事…

Kara: 我的错。我以为通过画作的对比是最直观的揣摩方式。显然…对不起。

第一，他们看见德拉克罗瓦和Bosschaert经典作品的背景是不一样的。前者让花束处在现实生活中的某个角落里，后者的背景则是非常理想的、像天国一样的山水，那是上帝的应许之地。

其次，德拉克罗瓦更加富有变化的笔触也让盆景具有了更多的个性，他绘出的并不是理想的花束，而是某一束。这意味着……

Sara: 停一停。太长、太啰嗦了。

Kara: 谢谢你的提醒。总之，他们看见，德拉克罗瓦的生活场景并不完全是写实的。它总在提示他们，画家在观察，在酝酿：他把花朵当作演员来安排，画面就是一帧舞台剧的截取。

Sara: 所以。德拉克罗瓦想要的是某一个瞬间？那不是印象派吗。

Kara: 也许。但他还没能走得那么远。让他们走远一点，离开法国，去英国看一看。康斯太勃尔。

康斯太勃尔 flowers-in-a-glass-vase 1814

Sara: 梵谷确实在伦敦待过一段日子。没记错的话，那时候他是一个表演艺术商学徒吧。

Kara: 没错。你太棒了。不过，Constable对米勒和Delacroix影响更深一些。

Sara: 哎哎。那你为何不先讲Constable？

Kara: 你注意看Constable绘出的桌面和背景墙。Sara: 哦哦。好像吧，墙面和桌面都挺干净的。

Kara: Yes。Constable的花束肯定不是一束理想的、源自伊甸园的圣物。它就是普普通通的花束。它的存在被画家捕获，并挪移到了画布中。它诚然是在环境中的，但周遭的环境的目的不为别的，只为了衬映它的存在。就好像他们匆匆地瞥了一眼某个角落，立马被角落中的明艳吸引住。

Sara: 你意思是，梵谷通过那么一大堆人，从Constable那儿找到了灵感？

Kara: 这是显然的。表演艺术史不坚信孤立的天才。

Sara: 梵谷算哪门子天才。到现在也没看见他的独创之处。

Kara: 快了快了。他们最后再看一组就好。

莫奈 ：vase-of-peonies1882雷诺阿 ：bouquet-of-chrysanthemums-1881毕沙罗：vase of flowers 1877

Sara: 甚么嘛。又是一批不老老实实画完的经典作品。

Kara: 不不不。这就是印象派。他们不乐意提供全部的信息，他们把不必要的信息删去，只提炼一瞬间的华彩。让观众的脑海自动地完善梵高画。从而使得观众不仅看见梵高画，还能更深地参与梵高画，也就更能领会梵高画。与此同时，导致梵谷走上与印象派不同道路的，还有另外一个重要的画家：蒙蒂切利。

蒙蒂切利 Adolphe Monticelli Different Flowers 1876？

Kara: 在铃兰中，梵谷快速、浓厚的笔触受到了蒙蒂切利的鼓励。换句话说，梵谷的铃兰之所以具有如此粗糙的艳丽，一定跟蒙蒂切利关系深远。

Sara: 行吧。那照你说，下一步梵谷要做的就是更进一步简化画面咯。

Kara: 你是一个不折不扣的天才！没错。梵谷就是要那么做。

Sara: 等等。假如表演艺术就是减法。那假如我把梵谷进一步简化……嘿嘿嘿。

Kara: 假如你这样做。你分别会得到罗斯科和马蒂斯：

罗斯科 : 橙色上的红色和藏青色马蒂斯: 植物元素

Sara: 白高兴了。

Kara: 你发现这一点只用了几分钟。别人却用了一辈子。言归正传。相比莫奈、雷诺阿，梵谷还要去掉甚么呢？

首先，他要精简颜色，最好只剩下三原色“红-黄-蓝”，以及由原色两两组合而得到的“橙色-绿色-紫色”。

其次，他要放弃透视和阴影。要用更少的材料将空间感塑造出来。给观众留有更多的参与空间。

Sara: 等一下。你瞎说一通，我根本对应不上啊。

Kara: 没关系。在他们回到铃兰以后。他们要看看梵谷其他的盆景经典作品。

梵谷 ：still-life-with-meadow-flowers-and-roses 1886

Kara: 想到谁了呢？

Sara: 都有一点。这看起来还像点样子。梵谷有两把刷子嘛。

Kara: 这还是他早于铃兰两年的经典作品呢。有一种精心营造的古典氛围。他费心地勾勒盆景，说明他沉浸在德拉克洛瓦的世界中。

梵谷：vase-with-flieder-margerites-und-anemones 1887

Sara: 像米勒！

Kara: 很棒。梵谷的色彩在明亮起来。笔触不再那么拘谨。他在吸收和转化从米勒、印象派等画家那儿学来的东西。

梵谷：fritillaries-in-a-copper-vase-1887

Sara: 我喜欢梵高画。

Kara: 是啊。这是一幅很美的画。光看背景上密布的点彩，你就能领略梵谷在多么细心地打造梵高画。

重要的是，在梵高画中，你已经找不到阴影的存在。相反，你仔细看古铜色的花瓶，会发现在瓶身和红色背景的交界处，那儿的红色比别处更亮，只为了更好地突显瓶身。

同时，梵谷渐渐找到了一个不经透视就能暗示空间的方法。他精心地选择了一个视角，然后仅仅通过桌面上的线条就让你领会到，只是一个墙角。

梵谷：still-life-vase-with-oleanders-1888

Kara: 一路看下来。他们会发现，梵谷要做的简化其实也是针对他自己的简化。在巴黎的两年，他吸收了太多的知识，练习了太多别人的风格。在感到画笔已经得心应手的同时，他要创造自己的油画风格的意愿越发地强烈。他离开了巴黎，来到了阿尔勒。绘出了铃兰系列。

Sara: 扬弃别人只须要决心。扬弃自己就须要冒险精神了。

Kara: 是的。冒险。但绝不是莽夫式地四处乱闯。梵谷最重要的武器，就是他领会的颜色理论：当颜色并列的时候，它们会有比混合后更加强烈的表现力。他们正式回到梵高铃兰。

梵谷 ：Sunflowers (January 1889 - 1889)

Kara: 统计一下颜色种类：墙面的亮红色，桌面的土红色，瓶子下半部分的浅红色，瓶子上半部分的土红色，铃兰伞柄的绿色，铃兰的花心的淡绿色、红色、紫色和红色。

顺便说一下，根据最新的研究，梵高铃兰最开始的时候比现在要明亮。

画作的颜色变暗了

Kara: 那团被红色包围的花心和梵谷签名应该都是紫色的。

经过放大之后的花心可以看见一些未消失的紫色

Sara: 确实。他的颜色比雷诺阿的要少上很多。

Kara:颜色越少。就更须要细心地调配。否则就只是一团含混的黄坨。

Kara: 他们看看这条红色的分界线，它切割了墙面和桌面的色块。注意看，墙面，靠近红线的部分，梵谷特意补了一层红色的互补色:淡淡的绿色，使得红色更加显眼。

Kara: 铃兰花瓣的金红色和背景色非常接近，为了保护花瓣的形态，梵谷用土红色来描花瓣的边缘，使得花瓣不至于完全没入背景之中。

Kara: 亮红色和暗红色的对比显然没有达到梵谷的预期，因而他在花盘的边缘抹了一圈明晃晃的金色，让铃兰就像在闪闪发光。花盘跟金色有着更强的对比。

Kara: 这只花盘正对着观众，它须要别的手段来让观众感受到纵深。于是，梵谷在绿色的花心周围抹了几笔红色，让红色跟绿色的对比造就纵深感。Kara: 通过增加对比度更强的颜色，让铃兰的形象更加地从背景中突显出来。

这是梵谷比其他画家走得更远的地方：他自觉地运用颜色理论服务于自己的油画第一类，而不管在现实中它们是否能有对应。

梵谷是用油画的逻辑来思考应该如何油画：按照色块、线条和空间的功能，而不是当时的常态：按照现实的、透视的、明暗的逻辑。Sara: 这听起来很像是塞尚的组织工作。Kara: 是的。这也是塞尚的组织工作。只不过，梵谷运用地更加“漂亮”。

Kara: 瓶身更靠近观众，这是第一次通过前后关系暗示空间存在。注意看，墙面&桌面的分割线，它并不是一条平行于画框的水平线。它微微的起伏和倾斜暗示着观众的方位：不是正视，而是略偏右侧一点。

最重要的是瓶身的分界线。它的弧度首要是暗示瓶子的体积，其次是切割出花瓶的上下两个部分。它的位置也非常之微妙：两端恰好在红色分割线的附近。这样一来，花瓶的上下两个部分刚好交错地嵌入了墙面和桌面。

花瓶的立体感因这种交错的关系而被再次强调。还要看见，瓶子底部的红色要更亮一些，瓶子在Bling Bling地发光。

Sara: 天哪！我的第一眼都看见了啥。居然错过了这么多细节。

Kara:错过细节。这就是梵谷想要的效果。正如我一开始所说的，他想要只是一束充满空间的铃兰。但他自己从不放弃任何一点点的细节。

研究发现，梵高铃兰的顶部有一条后面加进去的木条。梵谷用木条增加这一点画布的意味，不外乎增加油画的整体空间感——让顶部不再局促。

Sara: 所以，梵谷确实没有无赖。他确实用红色写了此曲管弦乐乐。Kara: 是的。这可能将也是梵谷选中铃兰的原因。红色=铃兰。

他期望他的油画第一类和他的油画介质（颜料、画布、笔触）产生共鸣。

他期望红色就是油画第一类能匹配的颜色。他期望笔触能表现油画第一类的特质。

一句话，他通过寻找特殊的油画第一类创造了自己的油画风格。

他为红色找到了铃兰。他入魔似地使用各种红色，各种对比色、互补色，分割、修饰一块一块的红色，产生出前所未有的颜色的律动。这就是梵谷之所以占据表演艺术史席位的原因：他做到了同时代人没做到的事情。

Sara: 听君一席话，胜吃十个汉堡。他们再去看看别的几幅铃兰吧…

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